1. 流行音乐技巧

第一部分是选择你喜欢的曲风。比如你喜欢R&B，那么陶喆，Brian McKnight，Stevie Wonder，Naul这种歌手的曲子肯定很对你的胃口。如果你更喜欢R&B偏流行的曲风呢，王力宏，周杰伦也是不错的选择哦。

第二部分可以是欣赏一些编曲特别优秀的歌曲，或者是一些融入了古典或者传统音乐的形式的歌曲。个人认为这类歌曲非常有艺术性。

第三部分，可以去分析该歌手的唱法。如果你也是一个学通俗唱法的，那么去找一找和你的唱法类似的歌手，去听他们的技巧和诠释方法。例如，你偏向重机能唱法，可以去听林俊杰，David Phelps。你偏向平衡混声的话，Jordan Smith，David Bustamante，林志炫可供你选择。你偏向弱混轻机能的话，朴孝信，Adam Lambert（注意听他的4组），李健等等都是不错的。

2. 流行歌曲技巧

第一、 运气

掌握吐气方法，做到每字每句唱得饱满，给人听到的是一种温柔而有力的感觉，而不是在胡乱大叫。

第二 、发音

发音是一种表达方式，同时也是给人第一印象的重要表现。发音要准千万不要唱出方言普通话，把每一个唱准了。

第三、 学会模仿

多听歌，去领悟歌手是如何去唱歌的，最好是找一到两个麦霸好朋友，他们唱一句，你就跟一句。

第四、 学会哼读

刚拿到一首歌时，不要急的去唱，先用哼读的方法去练它几遍，这样开唱就很有感觉。

流行歌曲：

简称pop.是现今娱乐，表演最为广泛的艺术表现。

3. 流行音乐唱法技巧

音乐类院校为社会输送了大批的音乐人才，然而就我国而言，现阶段好多学校在教学过程中都存在的一定的问题，主要体现在教学模式相对比较单一。就流行音乐专业而言，我国目前还处于教学探索时期，教学经验还不是很丰富，相关教学体系也不是十分的完善。从这个角度讲，伯克利音乐学院已经构建了十分健全的流行音乐教学体系。笔者在研究过程中主要关注的是流行音乐和声教学，伯克利音乐学院的和声教材已经使用了很久，教学实践证明该套教材可以很好的辅助学生完成学业。

1伯克利音乐学院和声学教材与传统和声学教材的不同

目前，我国的和声教材主要有两种:第一种是一些国外教材的翻译版本;第二种则是国内教师自己编写的一些教材。上述两种教材的共同点是:对传统和声理论相对比较重视，而且也比较关注一些和弦连接技术。教材中的练习题主要有两类第一类是:以低音为中心，开展一些分部训练;第二类则是和声联系，主要是围绕一些指定旋律曲调展开的。笔者认为现阶段我国在和声教学中还存在一些不足之处，主要体现在:在教学过程中忽视对学生的实践训练，从而使得学生无法对和声建立更加深入的感受和理解。

伯克利音乐学院在教学中具有一定的特色，为音乐界输送了大批的人才。与我国的和声教材相比，伯克利音乐学院的和声教材具有下述特点:第一，将和声和一些其他音乐基础理论融合到一起，如曲式等，从而将在不同音乐学科之间构建了密切的联系;第二，在开展和声教学时，秉持与时俱进的原则，向学生介绍了一些现代和声技术;第三，在教学过程中，重视对学生变通思维的培养;第四，教材中所有的理论都是以流行音乐为中心的。

2对我国目前音乐院校中流行音乐和声教学的启示

现阶段，我国十分关注流行音乐的教学问题，相关院校也开设了一定的专业，比较常见的主要有:流行音乐作曲、流行音乐演唱等。在实际的教学过程中，大部分的院校使用的都是传统教学方式，具体是分为两个阶段:第一阶段，学校会为学生提供传统和声教学;第二阶段，此时学校为学生提供的是流行音乐和声教学以及爵士乐的和声教学。笔者认为，就相关院校而言，改变现有的教学模式是十分有必要的，具体工作可以从下述几个方面开展:

2.1和声学与乐理、曲式等专业基础理论课程的结合

流行音乐有不同的专业分支，如演唱专业和演奏专业，对这些专业的学生来说，目前我国时要教授的一些乐理知识有些过于复杂，可以进行适当的删减。具体来讲主要包括:我国传统的音阶阶名以及一些比较冷门的演奏方法等。因此，笔者认为我国应该对现有的教材进行改版处理，将一些必须要学习的乐理知识和和声教材融合到一起。此外，就曲式而言，也可以将其融入和声教材中。总的说来，学校向学生传授音乐结构和曲式知识，其主要目的是确保学生可以更好的熟悉和掌握基础音乐知识，并为后续的深入学习打下坚实的基础。

4. 流行音乐技巧教学书籍

自学音乐。如果你要系统学，从头学，零基础，我只给你推荐两个泰斗级教程。

第一个：宋大叔教音乐

第二个：翟黑山爵士音乐

宋大叔音乐教程系列是从基本乐理，从教你认简谱，从教你画谱号开始，是中国目前唯一一个真正意义从零开始的教程，而且前面的乐理基础视频阶段，每一节课基本都会花上将近二十分钟的时间对你进行视唱练耳的训练，那真的是太有耐心了，中国当代最有耐心的男人就在此，他的教程深入浅出，非常系统，在你刚开始学的时候你必须看他的视频，到后面关于指挥和领唱/和声/作曲/编曲他都要教。

翟黑山的音乐相对来说要难一点，当然他也是从基础的乐理开始讲起，只是节奏相比宋大叔的来说要快一些，如果你完全没有基础，一来就学他的会稍微有些吃力，但是，翟黑山的音乐教程在中国乃至国外的网络音乐教程来说是当之无愧的无价之宝，内容太他妈的全面了，观点太他妈牛逼了，可以说目前中国音乐教学理念没有任何机构包括音乐院校比他还牛，他的教程系统程度比宋大叔的系列还广。

宋大叔的是免费的，翟黑山的是付费的，你把宋大叔的教程啃透之后(一定是真正学透)，立马继续去学翟黑山的，如果你真的把这二老的音乐学精了(是真正学精了)，在中国地区至少流行音乐这块你无人能敌，这两个人的教程真的是当之无愧的稀世珍宝。

网络上其他的一些音乐教程比如什么乐球网，编曲中国或者其他网站论坛所出的那些所谓的音乐教程，有好的也有不好的，但是在宋大叔和翟黑山面前，这些小鲜肉级别的音乐教程都只配叫速成，其他的教程跟宋大叔和翟黑山的教程有一个比较大的区别就是，宋大叔和翟黑山的教程全都是实打实跟你讲真正意义的音乐知识，他们两个的教程不涉及现在的电脑音乐制作，他们教学的方式哪怕后期教作曲编曲方面的知识，统统都在五线谱或者总谱上面教，是从头到尾实打实用音符在教你，而其他的那些音乐教程，在最初教乐理的时候会用五线谱，到后面教作曲或者编曲的时候基本都是直接用软件教了，你他妈看不到音符，你看到的只是编曲软件的音符块。而且宋大叔和翟黑山的教程有一个很良心的地方，那就是在视频进行中会反复多次训练你，比如我上面说的宋大叔在乐理阶段每一集都会非常耐心的训练视唱练耳，你在看视频的时候就可以跟着他练习，而现在的一些音乐教程，虽然内容都会教给你，但是基本是属于一股脑灌给你的那种，只包教，不包练，一旦你想练，这些视频只会告诉你：下来多加练习。

5. 流行音乐的技巧

流行音乐包括很多种类，包括R&B、HOUSE、Britpop、Trip-Hop、Gangsta、Rap、Synth Pop、ORCHESTRA、CHAMBER POP、民歌（FOLK）、BOSSA NOVA、CLASSICAL等。

流行音乐风格的形成有两个方面的内容：一是作品的风格，二是个人的演唱风格。

歌曲的歌词、旋律及节奏的不同就产生不同的曲风，不同音乐风格的产生也必然与当时的社会状况有着密切联系。

歌手在演唱流行歌曲的时候，形成了个人独特的演唱个性，我们称之为演唱风格。演唱者的风格主要体现在不同的发声状态和咬字吐字的方法以及对作品的二度创作上。

新时期流行音乐的演唱风格有下列几种不同的表现形式：

1、演唱风格

音乐剧是歌剧与流行音乐相结合的产物。它既反映了当代社会文化生活和哲理性的思索，又是通俗的，具备大众亲和力的流行音乐作品。

2、大众风格

90年代中期港台流行歌曲盛播于亚洲各地。在歌坛上陈奕迅、任贤齐、谢霆锋、蔡依林、梁静茹、莫文蔚、孙燕姿等逐渐替代了初期的赵传、周华健、叶倩文等前期耀眼的明星。

3、网络风格

1994至1997年是互联网在中国发展的初始阶段，到1999年，中国的“网络产业”开始成行成市。雪村的那首”东北人都是活雷锋”应该算较早在网络上发表的流行歌曲，它没有经过电台、报刊宣传，仅仅是通过网络就在全国范围流行起来。

4、民族风格

民族民间的器乐、舞曲、戏曲等音乐源流，也是流行音乐创作的素材源泉。90年代前期由姚明、阎肃创作的“前门情思大碗茶”，就是民间说唱“京韵大鼓”的基本音调为基础谱写的歌曲，在配器上除运用了电声乐队外也保留了琵琶、三弦这些传统乐器。

5、重金属（heavy metal）

重金属摇滚歌曲特点：它的织体不受任何形式的限制，追求一种剧烈的刺激性效果，采用一流电声设备，演奏者要有追求极端的心态和高超的演奏技巧。

6、硬摇滚（Hard Rock）

硬摇滚与重金属二者界线十分细微，硬摇滚的历史更为悠久，它直接源于“节奏与蓝调”，经常用刺耳的声音唱出快节奏的旋律。

7、朋克（Punk）

“朋克”音乐明显源于早期摇滚乐中的硬摇滚部分，它带有极度春强烈的反抗精神，富有鲜明、强烈的战斗性。

8、民谣（Folk）

民谣主要源于民间乐曲，在摇滚中用一系列的摇滚手段来表现，具有很强的感染力。

9、流行（Pop）

流行通以32小节为变，8小节为一段，注重节奏和旋律。

10、说唱（Rap）

以简单节奏为主，偶乐加入分解和弦，歌词押韵流畅。

11、爵士（Jazz）

12、宗教摇滚

将西藏的梵音和西方摇滚综合在一起，使西方乐器与中国传统乐器的不和协成为不可少的互补元素。

13、迷幻摇滚

迷幻摇滚采用一些特殊技巧如瓶颈奏法等。使人听后产生无尽遐想，如走梦境。

6. 流行音乐技巧分析

1、流行歌曲的特点通俗易唱。

2、流行歌曲抒情特点发声方法各有千秋，不受声乐学派的约束，演唱时感情重于声音技巧，动和自由不羁，自然亲切，易引起听众的共鸣；小乐队的强声伴奏与歌声融为一体。由于流行音乐具备上述特点，所以就能够和群众连在一起，无论文化水平的高低，都易于接受。

7. 流行音乐技巧总共有哪些

第一当然是声音。这是一个很专业的学问，包括气息、用嗓、口腔共鸣、吐词方式等。

第二是情感。这需要歌手对词、对旋律的感悟要强，很多朋友演唱时把全部的重点都放在了声音的部分，而忽视情感，这绝不会唱好一首歌。过分注重声音的原因，是因为歌手的实力有限，演唱过程中老想着到哪里要注意气息了、哪里要注意换气了、快到高音的时候要准备了等，这都是无可避免的。所以，如果唱歌要做到“声情并茂”，练功相当重要。当你练声成熟的时候，演唱时的注意力才会到情感上来。有句话说得好，歌不是用嘴唱的，而是用心唱的。如果发声练到气息贯通、炉火纯青的地步，演唱就更随心所欲的注入情感，演绎歌曲的感染力会更强。

第三是感受。这里再次强调，音乐的感受是天生的，你有多少就是多少，后天弥补的音乐感受很少很少。流行歌曲需要流行歌曲的感受，民歌需要民歌的感受，比如你要阎维文唱“一无所有”，我敢保证会笑翻一帮人！歌手的感受不同，演唱歌曲的处理方式也不同，有的处理得很平淡，有的处理得扣人心弦。这些处理都是很微妙的，比如一个小小的换气、一个强调的重音、一个不换气的长拖音或者一个骤然的收尾……这些就只能意会了。

第四是节奏感和音准。你见过一个3岁多的小孩听到一个旋律就能敲打出加花的节奏吗？你见过一个3岁多的小孩现场演唱，爸爸给他手风琴伴奏，随时改变音调，他进唱的音调都是准确的吗？你见过一个8岁的小孩在没听到任何声音的情况下，要他随时哼出“降E”、“升C”等任何音调的“1”的发音，哼完后在键盘上按下核对完全准确的吗？这就是天分，演唱歌曲需要这样的基础，虽然不要他们那样出众,但一定不能弱。

第五是素质。这就是业余歌手和专业歌手的区别。其实光在声音、情感、感受、节奏、音准这些方面比较，业余歌手有很多不比专业歌手差。差距就在素质。你知道自己唱歌时的形体和表情吗？你可能有个模糊的形象，就是你投入演唱时自己想象自己的模样，而这个形象很可能是你唱的这首歌的原唱的形象。但这些都是你的想象，自己想象的形象几乎是完美的。你知道大家看到是什么吗？你用摄像机拍摄过自己的一次正式演唱吗？其实当你上台的第一个眼神或者第一句话，就能知道你是业余还是专业。这里说的素质还包括对乐理的了解、乐器的了解、对音乐史以及对音乐常识的了解等，当然也有很多专业歌手也不全面，但我个人认为，如果要做专业歌手，就应该贯彻这些，要对得起“专业”这个词。

理解歌词

在学一首新歌之前，有几次你是先把词从头到尾在心里读一遍的？又有几次揣摩过撰词者的心思和他表达的意境？一首歌曲，无论是先有词还是先有曲，双方作者都是认真揣摩对方（词作者或曲作者）要表达的意境和思想，如果到了你这里，你居然完全不理会他们的用心良苦，就这么凭着自己的感觉唱，我觉得不妥。有些个性歌手喜欢按照自己的理解这样表达自我，这种方式不是不好（而且我也喜欢这样），但我会先把作者的意图先搞明白再发挥。再说不是每首歌曲都适合你任意发挥的，有些词曲你找不到更合适的表达，比如国歌。

在你深刻理解歌曲以后，你的情感处理方面一定会好很多，如果你的感悟能力强，你会情不自禁的把某个音唱重，某一个音轻轻带过，一个激情的长音会拖得很饱满……

话和唱歌，除了旋律、节奏、气息，还有其它区别吗？有，那就是吐词的方式。请你随意的用你说话的方式读出“让我一次爱个够”，然后投入的把它唱出来……会发现唱的时候嘴型是向两边打开的，而且要夸张一些。如果你觉得差不多，就是你的吐词有问题。所以唱歌要比说话嘴型要夸张，这样吐词才会更清晰、气息更通畅、更宜于表达情感。

演唱国语歌，还是标准的好。比如“Z、C、S”和“an、ang”和“L、N”的区别是很容易搞混的。港台歌星有时会把个别字故意唱得不卷舌或卷舌，要不就是自己的舌头打不过来、要不就是他们觉得那样不好听，或者他们根本就不知道这个发音。当我们翻唱他们的这些歌曲时，我没有明确的主张，为了模仿，不纠正也行。但如果是要唱自己的风格或比赛，那就要改正了。

关于粤语歌，劝你们还是学好再唱，要不很容易搞笑的。就像我以前唱粤语歌一样，自认为标准，现在才知道有差距。粤语中也有类似与国语中的“Z、C、S”和“an、ang”的微妙区别，不认真学是学不好的。

气息

说道这个话题，就有些茫然，因为这是最不好用言语表达的东西。我在唱歌之前，练美声两年，给我的感悟很深，气息基础对我的帮助很大。一般没有学过声乐的人发声很平，就用平常说话的位置（嗓子）发音，我们叫它声音发“白”，没有色彩、没有过滤。以下我就表述一下美声练声的方法。

声音应该以小腹为根源，想象声音透过后脊梁，到脑后，到口腔后根，整个声音应是竖立的，靠后的。请找一找这样的感觉：你大口咬一口苹果，露出上牙齿，在一口咬下去的同时，发出“嗯”的声音，感觉声音在口腔后部和鼻腔上部的位置，这就是美声发声的一个共鸣点。接下来把气息下沉，小腹膨胀，稍在小腹用力一顶，在刚才的位置发声，男声喉结压下，女声多注重声音在脑后靠上的位置，你会发现声音比以前要大多了。经常靠墙练习有助于发声，因为靠墙可以接触你的后脊梁，让你更容易找到感觉，并且胸腔的共鸣能和墙产生共振，让你更容易找到胸腔共鸣的感觉。先从“米～妈”的练习开始，逐步升高，有助于练习高音气息；再从高往低练习，这样反复，总有一天你会找到感觉的。美声讲究“通透”，经常想象自己的声音是竖立的，而不是扁平的；另外还讲究的是“共鸣”，声音通过胸腔或胸腔以上的共鸣后，会很圆润、饱满。要体会共鸣，你可以这样做：闭上嘴巴，发出“嗯”的音，稍带点深情的感觉，“嗯”的长一点，会感觉头和胸前在震动，如果气息好，这种共鸣会给你的声音添色不少。仔细听听一些高大的美国人讲话，就会知道什么叫胸腔共鸣了（外国人的胸腔结构更容易产生共鸣）。

另外我还要提到的是肺活量，歌手演唱需要较大的肺活量，比如一些很长、不换气的某句旋律，可不要唱完以后面红耳赤、只喘粗气。肺活量要经常锻炼身体才能保持。还有就是掌握一定的技巧可以弥补一些肺活量不足的现象。首先就要练气息，好的发声方法它能很好的控制声音通过嗓门的流量，比如唱到“……不怕你背叛我……”这一句时，气息不稳的歌手可能一下就把“怕”字的音以爆破的方式唱出来，一下就把本来肺活量不足的气放跑了，如果后面有不换气的长句不把他憋死才怪。而气息功底好的歌手能控制这些爆音的流量，演唱时话筒也不会出现一些扑声。所以我建议大家练声的时候嘴前放一盏蜡烛，尽量练声时保持蜡烛不摇晃吧！这样你的气就会保持在你的体内长一些时间。想想你是一直往外呼气坚持得久还是憋住不出气保持得久呢？当然这还需要歌手要放松，不要紧张，一紧张，心脏跳动加快，你的气息就更稳不住了。

这里我只能讲这么多，这些是要靠感悟的。不过我要提醒的是，练声是演唱流行歌曲基础，千万不要用练声的方法直白的演绎流行歌，那样就过于做作，就会像阎维文唱“一无所有”。

关于流行歌曲的用嗓，我的观点是只要符合歌曲意境，要喊要破也未尝不可，但这些都是美声中绝对禁止的，所以我们要取长补短，因为我们不是为了唱美声而练美声，我们是为了唱好通俗才练美声，就像武术要练马步一样，你见过打架的时候蹲着马步打的吗？

有朋友说这样的表述很难理解，要我说说流行歌手里谁的气息很通透，就照着感觉去学更容易领悟，这也是一个有效的方法。个人认为，女歌手你们就多听一下“张惠妹”的吧，她可是天生通透的气息；男歌手就多揣摩一下“满文军”的吧，他可是真正靠气息在唱歌的，另外，张学友的气息很好，但对于教学，满文军更适合。

高音

这是朋友们最喜欢问的一个问题，用他们的话，因为高音“够拽”，呵呵！再次补充一下，好的演唱要综合很多方面，不能说高音越高就是唱得越好。确实，很好的高音能给歌曲的高潮部分增添渲染力，但奉劝朋友们不要只知道高音的价值而忽略中低音，其实饱满的中低音也很有感染力。

唱高音的时候，气息一定是以小腹、丹田为根基的，京腔讲究“丹田气”也是指的这种发声位置。

找找感觉1：如果你是一个女孩，鞋子上突然有一只老鼠，你会怎样？估计会“啊～”的一声长鸣，并且还有“假声”的发声位置。等你平静之后，你在“啊～”一下看，大多数再也“啊”不上去了。为何？因为你收到惊吓的的那一刻，你的小腹在紧张，（想想被惊吓的感觉，是不是全身肌肉绷紧？）正因为有了这样的根基，加上一股强大的气流（可以理解成唱歌的气息），直冲嗓子眼，声音不高才怪。所以，你可以把飙高音的感觉理解成“紧张”、“振作”，记住，一切以小腹为根基，要唱高音不是抬起头往上扯的，是感觉重心向下的一种反弹力。

找找感觉2：见过橡皮水管吗？要水管里的水飙向更远怎么办？掐紧水管前端，缝隙一小，压力增大，水就冲得更远。其实高音不一定要音量很大，有些歌手演唱高音时唱出很大的声音，我们说那是用力气和肺活量在唱，而不是在用气息和技巧在唱。想象水龙头理论，应该可以悟出些道理。

找找感觉3：地上有一块很大的石头，把它搬起来吧。你一弯腰，嘴里数数：“一、二、三、走……”，我想这个“走”字你一定用了气息。我不多说了，感觉一下吧，身边有些什么重的……呵呵！这只是一些我创立的让你感觉气息的方法，不正规，但很有效。

还要告诉大家一点，表现高音的能力与你本身嗓子条件有关，如果嗓子天生高亢是很大的优势，比如“孙楠”就是典型的高嗓子，高音演绎不会那么费力。嗓音条件不好的歌手就要靠大量的气息和方法了，但不管是嗓音条件好或不好，声音都是通过气息唱出来的，就像香烟要通过过滤嘴一样，声音过滤一下会更美。

另外我还告诉大家一种心理方法，高音时想象你是在面对广阔的大海高歌，望不到边的海天一色，这样的风光不值得你大声呐喊吗？

中低音

中低音一般要饱满、深情为好。但也像高音一样，很多人欠缺中低音的共鸣。低音是要靠胸腔共鸣和宽大的嗓音结构才能体现的，先天性比较强。以我的经验，低音潜不下去的嗓音是很难练低下去很多，能下去几个音阶不错了。如果一定要录制低音丰富的歌，早上起来不刷牙、不洗脸直接录，声音会下去很多。所以，中低音欠缺的人尽量避免这样的歌，扬长避短，同样中低音丰富的人一定要好好发挥它的潜质，中低音唱好是很迷人的哦！

唱低音要胸前和嗓子放松，用叹气的方式可以加强一些共鸣，实在很低的地方可以加些气息产生口腔共鸣，会感觉声音浑厚一些。但不管怎样，嗓音天生浑厚的人的发挥余地要多得多。

唱中音要多加以润色，包括吐词换气都具有美感，当然这又与感受唱功有关，中低音多听听“蔡琴”的吧。

整体与风格

很多歌手只注意句与句的细节，把演唱的细节单位放在“句”的上面，而不是在整首歌上。

把整首歌画一条起伏的线条吧，你会知道哪里该低调、哪里该高亢了。眼光放高一点，就像足球场上的位置感一样，盯着局部怎么打出长传进攻的有效配合呢？

除非有了一定的实力，否则别谈风格。歌手前期我赞成模仿开始，但不要单一，多唱各种风格歌手的歌，耳濡目染的就掌握了一些共鸣、唱腔以及气息的初步体验，这是好事，到了成熟以后，加上自己的练声和感悟，再挖掘自己的风格是水到渠成的事。

演唱要投入，但投入是要有一个度的，不是要你“使劲”投入，过分伤感或喜悦，在理解词意的基础上，有分寸的投入即可。比如有些类似的词：“……你怎么舍得我难过……”，我就见过唱得痛苦至极的人，那样就没有感染力了，反而觉得好笑。但我也见过一个真正失恋的朋友在卡拉ok唱这首歌，演唱的时候面无表情、唱得很平静，嗓音沧桑，唱腔演绎出来的那种无奈和孤独感染了现场的每一个人。我觉得这就是刚刚好的分寸，不需要抱头痛哭。但又有几个人随时能演绎这么到位的呢？这就要靠歌手的音乐感受了。

再给大家举个例子：有些朋友在模仿歌星时，不自觉的夸大了明星的特点，比如模仿张学友时，会过分压着嗓子做出那种怪怪的厚实的声音（那时张学友早期的一个特点，现在好像不多见了）；在模仿张国荣时，会夸大他的那种大舌头似的靠后的共鸣；模仿王菲时更是那种让人觉得好笑的舌头打结的怪音。其实仔细听听原唱，并没有那么夸张。我就听过一个声音很像张学友的朋友唱歌，每次唱学友的歌的时候都没有把握分寸，后来我劝他多些本色，反而更像原唱了。其实有时候旁观者清，多请教朋友们的意见会很有好处。

另外，情感丰富的人唱歌会比情感平淡的人要演绎得好。与歌曲中的情感产生共鸣，也需要歌手的生活阅历丰富。经历得越多，感悟得就越透彻。

颤音

这可是很多朋友追求的东西，呵呵！认为没有颤音就不够专业、不够拽。殊不知颤音在歌曲里只是一种表达方式而已，没有颤音就不能唱好歌吗？

颤音，实质是用气息演绎歌曲的时候，强大的气流冲击口腔和鼻腔后部所产生的震动，小腹给予气息的压力产生了气流。我倒不赞成流行音乐一定要用这样死板的方式产生颤音，有些歌星通过喉结的抖动（刘德华）和嗓子眼的一紧一松（张信哲）“做”出了颤音。这些都是一些小的技巧或是一种风格，但在很多高潮部分，他们也具有强大气流的颤音。所以，还是那句话，气息是根本。用了气息，自然会有气流的冲击产生颤音。对于流行歌曲，有些低调的地方不需要像唱民歌一样每个字都在气息上，有时似一种悄悄话，有时像一种无奈的叹息，不会有强大的气流支持你的颤音，这时就需要你用一些小技巧来修饰你的尾音，我认为流行歌曲的颤音表现不完全靠气息顶出来，有时候抖抖喉结，控制嗓子眼里的声音也未尝不可，只要整体在歌曲的氛围之中不受影响即可。

没有颤音的朋友如果铁定对颤音垂涎三尺，就从模仿开始吧――模仿救护车叫唤。好笑吧？这只是没有声乐老师在身边、一种自我揣摩的方法，当然不属于常规的声乐练习。发出“呜呜”的依次循环高低的滑音（稍快），他能让你找到抖动喉结的感觉，慢慢的吧“呜呜”的发音转变成“嗯嗯”的发音，再慢慢的转成“你～”的发音，再唱一些“你”结尾的一句歌……呵呵，这只是一种感受喉结抖动的颤音方式，与气息发声不一样，保准声乐老师看了会气死！但没件事都需要循序渐进，慢慢揣摩，不妨试试。

最后再次发表一下我的观点，我们如果眼光放高一点，这段历史时期流行强调颤音的唱法，也许再过5年后就不流行强调颤音的唱法了。何必为了没有颤音而苦恼呢？颤音虽然能有效的渲染歌曲气氛，深沉而具有穿透力，但我也愿意喜欢听一些质朴、纯洁的声音。所以，只要用心唱就好，也许你会更有特色